El riesgo que todos corremos. Cosmópolis. Exposición colectiva. Pristine Galerie. Monterrey, México.

El arte contemporáneo implica riesgos.

Sin discriminar, debemos aceptar que no todos lo entienden, que no a todos les gusta y por lo tanto, que son pocos los que lo adquieren.

Es un riesgo compartido, desde los que se dedican a la producción, pues muchos proyectos son prácticamente imposibles de realizar; aquellos que lo difunden, pues aunque cada vez sean más los que se acercan a los museos, se sigue viendo como algo exótico que está fuera de nuestro contexto; y ni que decir de quienes se embarcan en la aventura de venderlo, ya que si sumamos todo lo anterior, esta tarea tampoco debe ser sencilla.

Reconozcámoslo, aunque tengamos un buen número de coleccionistas, falta promover la importancia del valor patrimonial de las piezas de arte entre los nuevos públicos, y eso no es precisamente labor de los institutos o secretarías de cultura, sino de los que producen arte y aquellos que quieren hacerla llegar a los compradores.

Pristine Galerie tiene ya un tiempo tomando el riesgo de vender, promover y educar en torno al arte moderno y contemporáneo, estableciendo alianzas con curadores y artistas de todo el mundo.

En esta ocasión presentan Cosmópolis, una muestra colectiva con casi una veintena de artistas tanto locales como de otras latitudes, curada por Raúl Zamudio Taylor y Daniel González.

La temática de la exposición gira en torno a cuestionar los valores liberales del capitalismo, con obras más evidentes que otras. Sin hacer desdén, este contenido es recurrente dentro de la producción artística, ya lo decía Gabriel Orozco hace más de 10 años en su documental, que si ésta no fuera política, sería muy aburrida. Y cabe decir que esta muestra pudiera tener todo, menos tedio.

Ciertamente la creación funciona como termómetro social, y las consecuencias que han sufrido las comunidades en todo el planeta, por parte de las estrategias económicas se reflejan en prácticamente todas las obras.

Son de destacar las piezas de David Gremard Romero, quien maneja un lenguaje chicano (si es que aún se permite el uso de ese adjetivo) con sus retratos y esculturas. Por su parte, Riiko Sakkinen retoma elementos de la publicidad, para hacer una serie de carteles que ironizan el manejo de la identidad de los productos de consumo en nuestra multinacional realidad; Win Delvoye con una muestra de sus épicas heces producidas por una máquina, presentada con el decoro de quien lo muestra en una exhibición industrial. Sería complicado comentar sobre el trabajo de todos los expositores, sin embargo completaremos la lista de trabajos relevantes con los de Damián Ontiveros, Yolanda Leal, Shahram Entekhabi y Joaquín Segura.

Después de ver esta exhibición, queda claro que Pristine seguirá apostando por el riesgo, sin embargo, debería haber más lugares que quieran aventarse a realizar proyectos similares, a final de cuentas ganamos todos.

Alfonso Guevara. Diciembre 2011.

El placer de volar. ¿Ventana o Pasillo? Exposición individual de Hugo Garza. La Máquina Arte Contemporáneo.

El subirse a un avión por lo regular siempre conlleva una serie de acciones que hacemos casi a un nivel de ritual: hacer la maleta; revisar el pase de abordar; elegir la ropa con la que viajaremos; ver si en la maleta de mano no llevamos algún recipiente reactivo u objeto punzocortante; revisar los documentos que debemos tener con nosotros; llegar a tiempo al aeropuerto y pasar por todas las inspecciones necesarias para así estar en la sala de abordar y finalmente, después de otro rato, subirnos al avión y entonces poder sentir la emoción de la aceleración que se toma al despegar.

Quizás la mayoría de nosotros, simples mortales, realicemos algunos 4 vuelos redondos al año.

Imaginemos ahora a alguien que haga varios vuelos por semana y pongamos un hipotético número de 200. De antemano la emoción que para nosotros pudiera significar, seguramente se ha de transformar en una costumbre que en ocasiones pudiera resultar en tedio.

Justamente, es la situación en la que Hugo Garza se encuentra. Por motivos profesionales, tiene que realizar al año más vuelos de los que una persona promedio realiza en su vida. Obviamente, la relación sensible que Hugo tiene con las aeronaves es muy distinta al resto de nosotros. Y no hay mejor forma de adaptarse a los tiempos muertos o a una rutina, que por medio de la creación.

Garza tiene años produciendo arte, habiendo adquirido ya un muy buen nivel con su obra gráfica, que tanto figurativa como abstracta, luce compacta y madura. Sus referencias hacia los aeroplanos van desde lo meramente costumbrista hasta lo meramente estético, con un sutil tinte de humor que se deja entrever en algunas de ellas.

Cabe aquí hacer un reconocimiento especial a todos aquellos profesionistas que, además de realizar una labor para obtener ingresos, ponen en práctica su creatividad, ya sea escribiendo poesía, cuentos, o bien, dibujando o pintando; para alguien que ha dedicado su vida profesional en estos temas, es realmente refrescante ver personas que se comprometen en desarrollar una actividad cultural con intenciones intelectuales; en otros países, principalmente en Europa, esto es muy común y tiene un impacto positivo, ya que al subir el nivel cultural, sube a la par el educativo (si, también ocurre al revés), con sus consabidos beneficios para toda la comunidad.

Es por esto, que habremos de agradecer que haya profesionistas como Hugo, que van más allá de su quehacer cotidiano, proponiendo imágenes nuevas e interesantes; y también habremos de motivar a que más personas que se acerquen al arte, ya sea apreciándolo, adquiriéndolo o incluso produciéndolo, ya que es la única forma en que se acrecienta el bagaje cultural de una sociedad.

Alfonso Guevara. Diciembre 2011.

Creo que todos podemos coincidir con esta sentencia: pintar no es cosa fácil. Y pintar bien, menos aún.

En esta época en la el mundo del arte se inclina por el llamado arte contemporáneo – entendido como género y no como período histórico –,  con sus exploraciones estéticas y sus arriesgadas posturas intelectuales; la pintura  pareciera haber sido marginada. Imaginémonos un personaje cuarentón, recién divorciado, en una fiesta de veinteañeros, ha asistido con entusiasmo y un poco de reticencia, ya que no termina por entender las expresiones de la nueva generación.

‘¿Qué es todo esto de amontonar sillas y decir que es una escultura? ¿Por qué dibujan como niños de primaria? ¿Cómo es que destruir un muro puede ser arte?’ Pareciera preguntarse nuestro personaje.

Ciertamente, las construcciones simbólicas  han evolucionado mucho en el último siglo, y todo esto también ha sido consecuencia de las ideas que andan circulando desde entonces. Evidentemente, los creadores jóvenes – de éste y todos los tiempos – regularmente no se dan cuenta de ello; así sea por seguir una moda, un autor de una liga del Facebook, o bien, porque simple y sencillamente se adaptan a los medios tecnológicos de su época; son quienes se ocupan de mantener dichas posturas ideológicas vigentes.

Nuestro personaje cuarentón se estará preguntando también: ‘¿cómo es que ahora todos los jóvenes toman fotos y muy pocos se preocupan por pintar? ¿Es que acaso las nuevas generaciones son más perezosas?’

Encontrarnos con las obras de Eric Pérez es como encontrarnos en un oasis. No me malinterpreten, no desdeño las piezas de los creadores emergentes, soy un entusiasta del arte contemporáneo e incluso también produzco. Lo que sucede, es que entre tanto artista en ciernes, no es fácil encontrar lo que este capitalino trajo a Drexel en esta ocasión.

En las galerías o museos podemos ver un sinfín de imágenes que nos divierten, otras nos hacen pensar e incluso algunas  nos pueden hacer sentir algo de emoción. Sin embargo, ante pocas piezas podemos sentir una especie de sorpresa mezclada con un poco de temor, pinturas ante las que después de un rato nos percatamos de que tenemos las cejas levantadas y los ojos muy abiertos, y si, después de un rato somos conscientes que estamos fascinados por las pinceladas de Eric Pérez; por un manejo de la luz que va más allá de lo fotográfico; y por saber superar – ya desde hace algún tiempo – la belleza dentro de los paisajes.

Tal y como se mencionaba al inicio de este texto, no es fácil pintar bien, y yendo más allá: no es fácil pintar bien y además poder sobrecoger a tu audiencia.

Para aquellos que continuemos en búsqueda de la belleza, sabemos que tenemos que quitarnos el sobrero ante los otros que han podido ir más allá y han encontrado poder representar lo sublime. Mientras tanto, no nos queda más que esperar volver a toparnos con alguna pintura de Eric, o bien, pedirle a Drexel que lo vuelva a traer pronto.

Alfonso Guevara.

公案 KOAN Serie de gráfica

Voy en silencio

Camino con mi pluma

Encuentro calma

Tengo ya un rato en el ámbito de la producción artística, tomándolo primero como un vehículo para la transmisión de ideas y de posturas políticas, aprendí que lo que decía no servía de nada si se hacía a un lado su componente estético; y no era que no pudiera producir piezas atractivas, sino que simplemente estaba en otro canal, veía al arte desde otra perspectiva funcional.

Paralelamente, he desarrollado una carrera como investigador y docente de esta misma área, y durante mi estancia en Cd. Juárez (2005-2007), fui influenciado fuertemente por un programa de radio del sistema público de Estados Unidos (NPR) llamado: Hearts of Space. Dicho programa tiene casi 30 años dedicado a la difusión de un género musical muy particular: la llamada ambient o space music. Durante este mismo período – no sé si como consecuencia de lo primero – también me empecé a involucrar con el Haiku. Al hacer una retrospectiva, me doy cuenta que fue aquí cuando me incliné más por las cuestiones contemplativas, pero sobre todo, poderlas compartir por medio de mi producción.

Curiosamente, fui rencontrándome con una faceta de mi vida que siempre estuvo ahí, pero que por un tiempo la tuve apartada: mi espiritualidad. La cual, independientemente de ser principalmente cristiana – católica, siempre ha sido salpicada por otras filosofías y creencias, teniendo siempre al mismo eje: son un camino para la paz y el amor, empezando por uno mismo.

Ahora bien, este tipo de dibujos los he hecho desde hace más de 15 años, siempre a un lado de los apuntes o bien, en las hojas de atrás de las libretas; los hago por lo regular mientras estoy en una junta, esperando a alguien o simplemente tengo la necesidad de darme un tiempo para abstraerme de todo y dibujar sin pensar.

Como si fuera un acto de meditación, me dejo llevar, empiezo con una línea, luego otra y voy fluyendo de acuerdo a como van saliendo, ya que antes de comenzar, no tengo la más mínima idea de cómo va a ser ni cómo terminará; en ocasiones se me ocurre una línea curva y de ahí las demás van dialogando entre sí, en otras, son muchas pequeñas líneas diagonales, paralelas, perpendiculares…

Entonces, sin que esto sea una vía para conectarme con el cosmos – al menos no lo es hasta el momento –, me atrevo a declarar que es una práctica en la cual he encontrado respuestas a preguntas que tengo antes de comenzar un dibujo. Algunas corrientes de la psicología dicen que en ese momento me encuentro en un estado de flujo propio de los procesos creativos y otras, que estoy estimulando ambos hemisferios cerebrales; concuerdo con dichas explicaciones, pero aún con todo, procuro no detenerme demasiado en ellas, ya que justamente al tener una intención manifiesta, perdería el sentido original.

Como el hacer estos dibujos forma parte de mis procesos para interactuar con mi entorno, es muy probable que continúe haciéndolos por muchos años más, por lo pronto – y después de varias opiniones favorables sobre estas rayitas – es que me decido a compartirlas en un contexto profesional, esperando que logren capturarlos casi de la forma en que lo hicieron conmigo al hacerlas.

Alfonso Guevara, otoño, 2011.

Honestidad.

Exposición individual de Francisco Chapa ‘Spinn’.

Sala de proyectos visuales. Centro Cultural Plaza Fátima.

Lo peor que puede pasar al salir de una exposición es que nos vayamos con indiferencia; bajo este principio, quizás el ideal sería que estuviésemos extasiados ante lo visto.

Sin embargo, muchas veces nos vamos con ciertas preguntas y reflexiones, absortos, conducimos de regreso a casa e incluso nos vayamos a dormir pensando en lo que vimos, y eso probablemente sea igual de valioso.

Después de ver la expo de Spinn, la idea que me quedó en la mente es: Honestidad.

¿Por qué la obra de Francisco Chapa puede ser considerada honesta?

Hay quienes dicen que en esta ciudad ya hay muchos artistas, si contamos a todo el universo de pintores, escultores, dibujantes, fotógrafos, artistas multidisciplinarios, y cineastas, y si sumamos también a los artistas callejeros (grafiteros, estencileros, stickers, etc.), entonces  sí, hay demasiados artistas en la zona.

Ahora bien, así como es arriba es abajo, y no todos los creadores – como todas las personas – son del todo honestos. Hay algunos que en su afán de tener reconocimiento son capaces de traicionar a otros y sobre todo a sí mismos.

En los últimos años, ha ido creciendo la tendencia del Street Art. Mundialmente, ya hay artistas visuales que han forjado su carrera primero en las calles y después en los museos y galerías; incluso, en ciertos circuitos galerísticos, como en San Francisco, se puede considerar que el uso de los símbolos del graffiti y el aerosol forma parte ya de un código postal.

Obviamente, siempre habrán quienes quieran insertarse en estas corrientes y ahí es cuando la discusión pasa a ser más ética que estética. ¿Qué tan válido es que un artista clasemediero – por no decir burgués – que su acercamiento a la cultura popular no va más allá de haber ido a algún par de cantinas de Ave. Madero, quiera de pronto convencernos de que toda su vida ha rayado clandestinamente las paredes con spray?

Aquí es donde Spinn, tanto como artista como persona, gana cualquier  argumento al respecto. Estamos ante un verdadero artista callejero y no ante alguien que nos quiera engañar de serlo; basta con ver sus piezas  para confirmarlo.

En su exposición en la Sala de Proyectos Visuales de Plaza Fátima,  es innegable que niegue la cruz de su parroquia, ya que una línea completa de sus piezas tienen una fuertísima referencia al graffiti, pero Francisco no busca su redención ni el gesto contracultural gratuito, lo hace de forma orgánica, como una evolución natural de su estilo.

Y de su extensa producción, sus dibujos y collages son los que lucen más maduros, como quien tiene libretas llenas de dibujos con bolígrafo al paso de los años.

Francisco Chapa nos recuerda que no todos los artistas egresan de las universidades;  que nuestra comunidad también tiene un importante bagaje cultural dentro del terreno de lo visual y no sólo del musical; y por último, nos recuerda que aquél que quiera dedicarse al arte, tiene que hacerlo desde su propia naturaleza, ya que quienes mientan con tal de tener un rato el spotlight, terminarán irremediablemente en las penumbras.

Alfonso Guevara / Noviembre 2011.

Cuentos infantiles para un público no tan joven.

A Horseback Riding Tale. Exhibición de Adriana Zárate. The New Wall Gallery.

¿Cuántos de nosotros aún recordamos los cuentos de nuestra infancia?

Hace unos días, en una conversación salió al tema que Disney ha manipulado a prácticamente todas las mentes virginales del mundo. También apuntábamos, que aún con todo, lo que los estudios Disney hacían, era retomar las historias clásicas y que en ellas, siempre había una misión moralista.

Tampoco se trata de salir a la calle y quemar las historias de Hans Christian Andersen o de los Hermanos Grimm. Si esos cuentos tenían un cierto contenido adoctrinador, era porque precisamente tenían una función complementaria a la educación parental. Y para ello recurrían a historias que, en nuestra época políticamente correcta, jamás serían mostrados o contados a los infantes: Niños que son comidos por brujas, doncellas que sucumben envenenadas y villanos muertos bajo la espada de algún héroe, no son precisamente los valores que se buscarían promover en la civilización occidental y puntos circunvecinos.

Sin embargo, dichos cuentos aún se encuentran en los libreros de muchos hogares y para aquellos que rondamos – ampliamente – los 30 años, con seguridad formaron parte de nuestras lecturas a tierna edad.

Así entonces, no habríamos de sorprendernos con las piezas de Adriana Zárate, quien en su más reciente exposición A Horseback Riding Tale, nos presenta un universo de personajes fantásticos, dignos del más elegante cuento inglés.

Es de recalcar, que sus personajes andan a caballo y algunos de ellos blanden espadas, remitiéndonos a la tradición ecuestre medieval, la cual no nos es muy cercana gráficamente hablando, salvo algunas representaciones por medio de dibujos del mundo árabe – la historia cosaca y asiria nos queda francamente muy lejos – y una que otra trágicamente olvidada escultura de algún exmandatario.

No es gratuito entonces, que Zárate haya encontrado aquí elementos bastante atractivos para hacer su obra, la cual, dicho sea de paso, demuestra la madurez de quien tiene años produciendo, tanto con su universo, como con la técnica empleada; y es así, que se convierte también en un ejemplo para todos aquellos que quieran dedicarse profesionalmente a la producción plástica.

Definitivamente, la obra de Adriana nos invita a regresar en nuestros años e imaginar el mundo de sus personajes, preguntándonos: ¿cuál será la historia que hay detrás? ¿qué hay del lado derecho que todos sus personajes se empeñan en ir? ¿cómo es que puede ver el que tiene cabeza de pastelillo?

La exhibición de Adriana Zárate permanecerá en The New Wall Gallery hasta el 25 de Noviembre del presente año. La dirección es: Vía Rómulo 509, colonia Fuentes del Valle, Garza García, Nuevo León.

¿Qué tendríamos que hacer para un nuevo mundo?

Exhibición ‘Making a new world’ por Vero Glezqui. The New Wall Gallery.

Los artistas son unos románticos, y si son mujeres, aún más.

Si alguien llegase a tener esa frase en mente después de ver las piezas de Glezqui, estaría absolutamente en lo cierto; sin embargo, eso no tendría que ser algo negativo, al contrario.

En el ámbito del arte contemporáneo se acostumbra dialogar por medio de la ironía y el cinismo, pues justamente son valores que la posmodernidad implantó hace ya unas décadas.

Ahora bien, sin restarle importancia a dichos valores, en ocasiones se corre el riesgo de que se conviertan en moneda corriente dentro de dicho ámbito y que algunas ideas que no los reflejen, sean marginadas.

Sin meterse de lleno en esos riesgos, la obra de la tijuanense, bien pudiera bordear dichas fronteras. ¿Cómo es que en medio de la esta debacle global, haya quien tenga propuestas románticas y lúdicas para cambiar el rumbo de las cosas? ¿Cómo es posible que haya artistas que en vez de rasgarse las vestiduras, justamente estén pensando en remendarlas?

Es así, que Vero Glezqui reflexiona, desde una perspectiva bastante femenina – ojo, no feminista –, la necesidad de comunicarnos, de interconectarnos sin importar que estemos en otro país, en otro planeta, o incluso la en la luna; de estrechar vínculos con la naturaleza, el reino animal y nuestros pensamientos. Y lo hace de una manera por demás simpática: utilizando hilo de coser para simbolizar esas conexiones, lo que complementa y enriquece su obra gráfica.

Aún y cuando la exhibición ya se haya desmontado, todavía se pueden apreciar las piezas en The New Wall Gallery, ubicada en Vía Rómulo 509, colonia Fuentes del Valle, en Garza García, Nuevo León.

La nostalgia heredada

Obra plástica de Gaby Fuentes

Algo nos punza cuando vemos las piezas de Gaby Fuentes.

Independientemente de la pericia de la hechura de sus dibujos y de sus muñecas, nuestra interlocución con sus piezas va más allá de su virtuosismo.

En ellas vemos elementos que se encuentran en nuestra memoria y que quizás ni siquiera podamos ubicarlos cronológicamente, pero que sin embargo se quedan provocando un cierto malestar placentero.

Los creadores continuamente están buscando esa relación dialéctica con el espectador al momento de codificar sus piezas, le imprimen su ideología, puntos de vista, opiniones o gustos, regularmente de forma conciente; pero también inconcientemente, dejando así rendijas para abrir la obra y poder hacer lecturas e interpretaciones de la misma.

Partiendo de aquí, nos preguntamos ¿porqué me duele y porqué me gusta ver las piezas de Fuentes?

Una posible respuesta puede ser: La Nostalgia.

Es entonces cuando nos acercamos a los dibujos y nos percatamos que el estilo del trazo semeja a los que aún emplean los dibujantes de la antigua escuela; de igual forma, nos damos cuenta que sus muñecas están realizadas por objetos que fácilmente tienen ya 30 años de antigüedad.

Sin ánimo de desacreditar los sentimientos de aquellos que están estudiando o terminando su licenciatura, ¿cómo relacionar la tristeza de una dicha perdida en una creadora que va entrando en sus veintes, que utiliza estilos y materiales que generacionalmente no le tocaron?

Una forma de acercarnos a esta interrogante puede ser considerando la teoría de los Memes de Richard Dawkins.

Dawkins propone que los Memes son unidades de información que debemos aprender si queremos que la cultura continúe, desde un gesto o una frase, hasta estructuras más complejas; si sobreviven, se demuestra que esa unidad de información ha sido exitosa, de forma análoga a los genes en la evolución humana.

Así, las tradiciones y las creencias son Memes que se transmiten verticalmente por nuestros familiares mayores (hermanos, padres, tíos, abuelos); teniendo cabida también ciertas consideraciones sobre los gustos, sobre todo aquellos que trascienden las fronteras epocales.

Es precisamente aquí donde entendemos un poco más a Fuentes, puesto que para desarrollar una nostalgia sobre estilos de ilustración y los materiales empleados para sus muñecas, tuvo que haber convivido en su infancia en algún lugar donde los objetos decorativos no seguían necesariamente a la moda imperante, como lo pudo haber sido la casa de sus abuelos; siendo ahí en donde de cierta forma heredó el gusto por tal o cual dibujo (el cual incluso pudo haber sido la portada de algún disco de los 60’s ó 70’s), por la ornamentación de la casa y quizás también por la bisutería guardada en alguna caja por ahí.

Cabe mencionar además, que en un ámbito artístico en donde la nostalgia de los veinteañeros tiene que ver con imágenes de 8 bits y apropiaciones de dibujos animados (los cuales cada vez son más manga), Gaby Fuentes nos recuerda que somos producto de una cultura, obtenida principalmente a partir de la familia, la cual cada vez es menos rural y cada vez más urbana.

Y que aún con todo, continúa heredando valores y gustos que seguirán formando parte de nuestra identidad, por difusa que ésta a veces pueda ser.

Alfonso Guevara

Octubre de 2009

Intervenciones in Situ

Intervenciones In Situ

Una de las relaciones sensibles (estéticas) que el ser humano tiene es principalmente con su entorno. Así sea en un desierto, en las montañas, en la playa o en una ciudad; éste tendrá que involucrarse con su medio ambiente.

El hombre de nuestro tiempo es principalmente citadino, es alguien acostumbrado a construcciones impresionantes; a medios de transporte que nos ahorran tiempo; a redes de telefonía fija e inalámbrica; e incluso a tener electricidad prácticamente en cualquier lugar.

Sin embargo para tener todo lo anterior, tenemos que consumir recursos naturales, modificamos drásticamente el medio ambiente natural para nuestras conveniencias económicas, y quien diga que es por nuestra comodidad (para mantener nuestro estilo de vida) tiene que aceptar que entra también en este tipo de consideraciones.

Mucho se ha hablado del respeto a nuestro planeta y de las acciones que debemos tomar para ello. ¿Cuántos de nosotros separamos la basura?; ¿Cuántos traemos vehículos con grandes motores que consumen mayor cantidad de recursos fósiles?; ¿Cuántos de nosotros simplemente no tiramos basura en la calle?

Más allá de un discurso panfletario, con esta exposición pretendemos establecer un diálogo lúdico con las piezas que aquí hemos puesto.

Primero que nada fueron recibidos por una alfombra verde, de ese pasto que es natural, pero que se vende por metro cuadrado, y que aún puesto en un jardín, no deja de lucir artificioso.

Por otro lado, hay una hipótesis de que la naturaleza de cualquier forma mantiene un equilibrio, así vemos plantas silvestres en prácticamente cualquier lugar en donde haya un poco de tierra; de ahí entonces que se topen con algunas inusuales macetas.

De igual forma, no podemos pasar de lado el revisar nuestra fascinación por el uso de los productos sintéticos, estamos tan acostumbrados a ellos que nos han hecho perezosos en muchos aspectos (las bolsas de los supermercados son sólo uno de ellos).

Y finalmente, no dejen de compartir su mesa con un pequeño árbol, quizás no tenga mucho que contar todavía, pero les aseguramos que probablemente alguno de ellos seguirá aquí para que nuestros descendientes puedan aprender de ellos.

Alfonso Guevara

Curador

Abril de 2009

Interveciones In Situ

Intervenciones In Situ

Intervenciones In Situ

Intervenciones In Situ

Intervenciones In Situ

René Almanza junto a una pieza en progreso. Enero, 2009.

BUSHIDO

Exhibición de René Almanza

Arcaute Arte Contemporáneo

Jueves 5 de Febrero, 20:30 hrs.

El concepto de vacío es atemorizante para las culturas occidentales, frecuentemente relacionamos este concepto con el de negatividad. Inclusive en el argot plástico, el llamado espacio negativo es precisamente aquél que carece de contenido.

Quizás nuestras herencias barrocas nos enseñaron que la excesiva ornamentación tenía algo que ver con el mundo religioso, es posible que al ver los retablos de las catedrales coloniales, los hayamos vinculado dándoles un significado espiritual.

Sin embargo para las culturas de oriente, en especial aquellas que tuvieron contacto con el budismo, el vacío – Sunyata, en sánscriuto, Kuu en japonés – es la contemplación de un todo que se encuentra integrado en nuestra realidad.

Para internarse en el vacío, los practicantes del Zen recurren a la contemplación y la meditación; así sea contemplando el aire arrancar las frágiles flores de los cerezos, el sonido de una pequeña caída de agua o bien, guardando un silencio total.

Los guerreros samuráis son quizás las figuras más representativas de militares con un alto sentido espiritual. Bien es sabido que más allá de su entrenamiento en las armas, eran practicantes de la meditación y también eran preparados en profundas reflexiones acerca de la vida y la muerte.

Suscritos a las enseñanzas del BUSHIDO, los samuráis debían de seguir altos estándares de moral, no en balde el nombre mismo significa Código de conducta apropiada para un caballero guerrero; el cual constaba básicamente de 7 principios: Gi – Honradez y justicia; Yu – Valor heroico; Jin – Compasión; Rei – Cortesía; Meyo – Honor; Makoto – Sinceridad absoluta, y Chugo – Deber y lealtad.

Pudiéndose resumir en justicia, benevolencia, amor, sinceridad, honestidad y autocontrol, el Bushido bien pudiera evidenciar la situación de las sociedades contemporáneas, en donde ya nadie se fía de los guardianes del orden.

Por su parte, René Almanza mantiene su propio Camino del Guerrero, retoma elementos simbólicos del Ukiyo – e, que es un procedimiento tradicional de grabado japonés; así como elementos caligráficos propios de aquella cultura.

En sus piezas advertimos todo ese imaginario espiritual, como si por medio de su obra nos quisiera decir que existen realidades a las que sólo podemos acceder por medio de la contemplación.

Aprovechemos entonces de este momento para involucrarnos con sus trazos y pinceladas, con sus pigmentos y tintas, intentemos ver más allá de las líneas y aprovechemos para preguntarnos: ¿Cuándo fue la última vez que tuvimos una experiencia espiritual?

Alfonso Guevara

Enero, 2009.

Cartel de la película "The boy in striped pyjamas", en su versión en español.

La sala quedó en silencio. The boy in striped pyjamas. Premiere por El Invernadero, jueves 29 de Enero, 2009.

Asistir a una función de cine sin haber leído la reseña siempre es parecido a jugar albures (juego de cartas aún más azaroso que el blackjack), nunca sabes que va a pasar y eso también hace que sea atractivo asistir, aunque a veces tenga sus bemoles.

The boy in striped pyjamas es la adaptación de la novela homónima de John Boyne (bestseller, publicado en 2006), llevada al cine en el año de 2008 por Mark Herman, director inglés que quizás nos resulte un tanto desconocido, pero que pese a su escasa producción fílmica, ha obtenido algunos reconocimientos, tanto en gran bretaña (BAFTA) como en otros países (Alemania, Francia, Argentina, etc.).

La película empieza con una primera secuencia que prácticamente nos cuenta de que tratará la película: con un movimiento de grúa apreciamos un edificio con banderas del partido nacional socialista alemán y unos niños van jugando persiguiéndose simulando ser aviones de combate, mientras vemos cómo las familias judías son reclutadas para los campos de concentración; los niños pasan de largo esquivando soldados sin siquiera reparar en lo que está sucediendo.

Hasta ahí, no es difícil determinar que la película tratará de la amistad de uno de los niños con algún otro de un campo de concentración, pues tampoco hace falta tener demasiado bagaje cultural para recordar el tipo de vestimentas que se usaron en dichos confinamientos.

Sin embargo, la gracia del cine no siempre es lo que cuenta, sino cómo se cuenta; The boy in striped pyjamas es muy precisa en casi todos los aspectos, la cinematografía es muy formal y muy limpia, la iluminación es bastante realista y no hay efectos visuales gratuitos, ni desplazamientos de cámara donde no deba haberlos; por lo que así se logra que el espectador se compenetre con ella rápidamente.

El tema de la Alemania Nazi y el abuso hacia el pueblo Judío pareciese agotado, sin embargo este filme toca varios puntos interesantes, como la tensión que se sufría por parte de los mismos alemanes que se encontraban en desacuerdo con las acciones de su propio gobierno, situación que se plantea como más común de lo que pudiéramos imaginar por medio de la historia conocida; de igual manera, se maneja el férreo adoctrinamiento por el que los niños y los jóvenes tuvieron que pasar durante ese régimen.

Y es aquí donde la película tiene su encanto, ya que el personaje principal, Bruno, es un niño de 8 años quien desconoce por completo la situación política por la que atraviesa su país e incluso su familia; ya que se tienen que mudar a una casa cercana a un campo de concentración, puesto que su padre es un militar de alto rango.

Así entonces, Bruno, con sus limitaciones indaga acerca de la realidad que se vive en el momento al hacerse amigo de Shmuel, un niño judío confinado tras la cerca electrificada del campo de concentración.

En este punto, nos podemos preguntar: ¿En que consiste que sólo algunos genocidios sean llevados a la pantalla?, ¿Cuántos años pasarán para que se hagan historias similares sobre la situación de la franja de Gaza?

The boy in striped pyjamas resulta ser una buena película, puede ser usada como material didáctico en clases de cinematografía e incluso en clases de historia contemporánea.

Quizás el final sea un poco largo y hasta cierto punto efectista (sobre todo con la duración del fade out), sin embargo una vez más logra su cometido de forma contundente; ya que pocas veces he salido de una sala de cine en la que la audiencia haya guardado silencio al salir.

Alfonso Guevara

Enero, 2009.

Still de la primera secuencia. The boy in striped pyjamas.

Shmuel y Bruno. The boy in striped pyjamas.

Asistentes de la exposición.

Continúa FEMSA dando el ejemplo. Arte gráfico latinoamericano en la década de los setenta, AGPA, Colección FEMSA. Biblioteca ITESM, Campus Monterrey.

La vocación que FEMSA ha tenido por difundir y promover las manifestaciones de las artes plásticas es realmente ejemplar.

Si bien es cierto, con el cierre del Museo de Monterrey parecía darle la espalda a dicha vocación, con el paso del tiempo hemos venido constatando que no ha sido así; ya que le han dado seguimiento a la Bienal FEMSA y han continuado acrecentado su acervo, el cual parece tener más notoriedad fuera de nuestras fronteras, que en nuestra misma ciudad.

Precisamente, con esta exposición de Arte gráfico latinoamericano, el corporativo Fomento Económico Mexicano nos demuestra que tiene la capacidad, pero sobre todo la voluntad de resguardar más piezas artísticas, ya que esta muestra que se expone en la Biblioteca del Tec de Monterrey, les fue donada por la empresa SMURFIT Cartón y Papel de México.

Cabe aquí también distinguir la labor que SMURFIT ha realizado desde hace casi 40 años, quienes a principios de la década de los setenta se dieron a la tarea llevar a cabo el programa Artes Gráficas Panamericanas (AGPA), el cual inició en México y posteriormente fue adaptada por sus empresas hermanas de Colombia y Venezuela.

Y precisamente es la naturaleza misma de esta colección, que reúne a numerosos artistas de América Latina, la que le da un valor muy significativo a la exposición inaugurada el pasado jueves 22 de Enero.

En dicha exhibición, curada por la Maestra Margarita Fernández, del
Departamento de Arte del ITESM, podemos ver un palpable diálogo entre las distintas realidades que siempre convergen en esta particular zona geográfica. Por un lado tenemos las referencias costumbristas y de realismo mágico, que por lo regular distinguen a los creadores mexicanos; y por el otro, unas no menos interesantes piezas abstractas, incluso algunas bordeando con expresiones del diseño gráfico.

La mayoría de las piezas que conforma la muestra es de autores reconocidos como José Luis Cuevas, Francisco Toledo, Rafael y Pedro Coronel, Manuel Felguérez, Gunther Gerzso, Vicente Rojo o Rodolfo Nieto; quienes comparten con otros que quizás no nos sean tan familiares como Sonnylal Rambisson (Trinidad y Tobago), Alejandro Otero, Oswaldo Subero (Venezuela), Fernando Vilchis (México) ó Fernando de Szyszlo (Perú).

Sin embargo, algo que llama mucho la atención es la inclusión de prominentes artistas venezolanos del Arte Cinético, quienes se destacaron por hacer piezas tridimensionales, es así que nos topamos grata y sorpresivamente con un Jesús Rafael Soto, un Gertrude Goldschmidt (Gego) y un Carlos Cruz Diez.

Queda hacer mención la labor que el Departamento de Arte del ITESM Campus Monterrey y la Colección FEMSA, ya que al compartir con la comunidad estudiantil dichas piezas, se revalora una disciplina que en nuestra ciudad no ha sido tan prolífica como en otras partes de México.

Históricamente, las artes gráficas han sido democráticas, ya que para muchos entusiastas del arte siempre ha sido más accesible adquirir una edición numerada de un grabado, que un lienzo al óleo, con la ventaja de que el grabado no deja de tener su valor como pieza original.

Seguir comentando sobre la importancia de este tipo de exhibiciones no está de más, sobre todo en estos tiempos en los que no se habla más que del tema de la crisis y de cómo muchas empresas están tomando medidas al respecto. La exposición Arte gráfico latinoamericano en la década de los setenta, nos hace hacer un alto y voltear a ver la importancia que el arte ha tenido en el transcurso de estas últimas y turbulentas décadas; nos hace reencontrarnos como habitantes de una América Latina que siempre demuestra su riqueza cultural y simbólica; pero sobre todo, nos hace reconocer el valor que desde hace muchos años han jugado las empresas por preservar – y también apoyar – la creación de sus artistas, de esas personas que se empeñan en compartirnos sus reflexiones y provocar en nosotros emociones que sólo se encuentran por medio del arte.

Alfonso Guevara

Enero, 2008.

Vicente Rojo, "Señal T", Serigrafía. 1972.

Fransisco Toledo, "Animales". Aguafuerte con aguatinta. 1972.

Carlos Cruz Diez, "Cromo-interferencia aditiva". Serigrafía. 1973.

Arnold Belkin, "Emiliano Zapata". Litografía. 1978.

Asistentes del evento.

*Reseña publicada en el periódico “El Mañana” de Nuevo Laredo, Tamps. Julio de 2005.

Obra de Betsabee Romero. Marco, 2005.

El tener la oportunidad de apreciar colecciones es siempre interesante. Regularmente en ellas se puede advertir alguna intención por parte de quien o de quienes se han encargado de formar dichas colecciones, ya sea para fomentar cierta tendencia artística, adquirir piezas por mera inversión, o también para apoyar la trayectoria de tal o cual creador.

El corporativo FEMSA, a finales de los años 70 del siglo pasado se dio a la tarea de formar una colección, misma que legitimaba también al desaparecido Museo de Monterrey. Y fue precisamente en dicho espacio, que hace más 10 años inició la aventura de la BIENAL Monterrey FEMSA, concurso que ha servido de trampolín para creadores de toda Latinoamérica.

Lejos ya de cualquier polémica futbolera debido al cierre del espacio que hasta el momento (y todavía) ha llevado las mejores exposiciones a Monterrey, cuando el Museo de Monterrey cerró sus puertas, se llegó a pensar que la labor de colección por parte de FEMSA ahí terminaría, así como la Bienal Monterrey, certamen que estaba apenas consolidándose.

Para fortuna de muchos, FEMSA continuó con ambas tareas, la Bienal, que ahora se lleva a cabo en la Pinacoteca del Centro de las Artes de N.L.; y con la Colección, que se ha dedicado a itinerar por distintos espacios expositivos de México y de los estados vecinos de la unión americana.

Toca ahora el turno de que la Colección sea expuesta en casa, en conjunto con el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), y bajo la curaduría de Karen Cordero, quienes se dieron a la tarea de darle una cierta coherencia a las más de 100 piezas que ahí se exponen.

Y es precisamente aquí donde la exposición adquiere una riqueza especial, pues aún y cuando el orden de las piezas no haya sido estrictamente cronológico, esta exposición nos lleva de la mano por la historia del arte del último siglo, específicamente del realizado en Latinoamérica.

Es así que podemos apreciar obras de artistas ya consagrados como José Clemente Orozco; David Alfaro Sequeiros; Carlos Mérida; Vicente Rojo, Rufino Tamayo; Tina Modotti; Lola y Manuel Álvarez Bravo; Nahum B. Zenil, Wilfredo Lam, entre otros, quienes nos hacen un resumen de lo que en aquellos momentos era importante, tanto temática como estéticamente.

Asimismo, dichas obras comparten un espacio dialéctico con las de creadores más recientes y es por demás interesante apreciar la evolución que ha tenido la producción de las artes visuales en México y Latinoamérica tan sólo el último tercio del siglo pasado.

Y con esto no se quiere decir que lo realizado antes sea mejor que las obras de reciente manufactura y viceversa, pues las piezas de Betsabeé Romero; Guillermo Kutica; Juan Carlos Merla; Diego Toledo; el colectivo SEMEFO; Sandra Cabriada o Fernanda Brunet, por mencionar algunos, son buenos representantes de lo que se hace actualmente.

Es así, que la Colección FEMSA resulta didáctica, óptima para acercarnos al mundo de la plástica, repasando lo hecho en épocas pasadas y no tan pasadas, revisando técnicas, temáticas y preocupaciones de artistas, quienes a final de cuentas, como intelectuales tienen la labor de comunicar los problemas y preocupaciones de su tiempo.

Alfonso Guevara.

Imagen del tornado que afectó a la región de Texas colindante con Coahulia. Abril de 2007.

Due to power back

Domingo 29 de Abril de 2007. Realizar un recorrido desde Laredo a El Paso tiene varios factores a favor, por un lado, la condición de las autopistas 83 y 90  (aún y cuando no sean freeway ó expressway) es una garantía, añadiéndole que no hay cuotas que pagar y además que las poblaciones que se encuentran en el camino son bastante particulares.

Justamente unos días antes había pasado el tornado en la frontera de Eagle Pass y Piedras Negras, y aún y cuando no había otra perspectiva de un meteoro similar, las malas condiciones del clima seguían afectando a la zona.

Atravesar una tormenta, en un vehículo 4×4, confiere una seguridad de poder pasar por posibles inundaciones, sin embargo y como todos los automotores, éste consume combustible, motivo por el cual teníamos que estarle rellenando el tanque continuamente.

Así entonces, al filo de la medianoche llegamos a un pueblo llamado Sanderson, contemplando volver a llenar el tanque de la gasolina, sin embargo el pueblo se encontraba a oscuras y ninguna gasolinera se encontraba abierta, ni siquiera aquellas que cómodamente son de autoservicio con tarjeta de crédito.

En vista de que con las reservas de combustible no llegaríamos al siguiente poblado, decidimos pasar ahí la noche. A la mañana siguiente nos dimos cuenta que todo seguía paralizado, en la puerta de la tienda se encontraba en letrero hecho a mano que decía: due to power back, buscamos gasolina en otros lugares y todo seguía en las mismas, platicando con una señora de una tienda, nos dijo que debido a la tormenta, se habían quedado sin energía eléctrica, por lo que no había ningún otro servicio. Regresamos a la gasolinera a observar el desfile de automóviles que esperaban encontrar gasolina, su inconformidad nos hacía reírnos de la situación en la que nos encontrábamos: atorados en medio de la nada, en uno de los países más poderosos del mundo y a 70 millas de cualquier otra población. Después del mediodía, se reestableció la electricidad y pudimos continuar nuestro camino.

Con esta anécdota, quedan algunas preguntas: ¿Qué sucederá cuando los combustibles fósiles queden agotados?, ¿Cuál es nuestra dependencia hacia los energéticos? Estamos seguros que el petróleo se terminará tarde o temprano, ¿cómo nos adaptaremos a este cambio?, ya se comienza a utilizar el etanol para alimentar automotores, sin embargo nadie considera que dicho combustible proviene del maíz y que éste, aún y cuando sea renovable en apariencia, desgasta la tierra, por lo que después de sembrar esta planta, el suelo tiene que descansar por algunos años sin poderse utilizar para alguna otra cosa. Por lo que después de todo, no parece ser una opción tan verde.
Por otro lado, el cambiar todos los motores a sistemas híbridos ó alternativos de alimentación requerirá también reemplazar prácticamente todo el motor, significando altos costos, por lo que también la gran mayoría de los vehículos quedarían inservibles.

Pareciese que nuestro futuro se ve sin esa dependencia al petróleo, quizás la electricidad pueda salvarse mediante la energía solar o la eólica, sin embargo no existe una plena seguridad de que en unos 30 ó 50 años las cosas se mantengan como las conocemos.

Con una creciente dependencia a la tecnología, ¿cómo afectará a nuestra sensibilidad en un futuro sin energía y sin obviamente todos los gadgets que tenemos?, ¿regresaríamos románticamente a lo natural?

Quizás lo que si sea común, será encontrar anuncios como el de la gasolinera de Sanderson, Texas: Due to power back.

Alfonso Guevara,

Cd. Juárez, Chih., Mayo de 2007.